Diez películas independientes y de Bollywood del siglo XXI imprescindibles
Según los críticos, la década de 1990 fue pésima. Pero con el cambio de milenio, las cosas empeoraron. Justo cuando todas las esperanzas se perdieron, milagrosamente, gracias al surgimiento de una nueva generación de actores y directores independientes, Bollywood viró hacia un cambio radical cuyo legado lo moldea incluso hoy.
Echa un vistazo a nuestra selección de películas independientes y de Bollywood del siglo XXI.
Piense en el Bollywood 'moderno' y dos películas se destacan. Ambos son tan escandalosamente diferentes entre sí en sus temas y estilos visuales que su misma expresión en el mismo aliento puede sonar como un ultraje para los cinéfilos. Calma. Son Satya y Dil Chahta Hai. No se sorprenda si la primera persona que se ofende por esa declaración es el propio Ram Gopal Varma, el 'genio perdido' de Satya. Y el hombre que había redefinido la gramática del romance en la década de 1990 con Rangeela. Pero dense un momento para dejar que la comparación se asimile. Arañe la superficie y tienen algunas cosas en común. Satya prácticamente inventó el realismo moderno de Bollywood. Ambientada en la tierra de los gánsteres de Bombay, fue, en un nivel, quizás más fantasía que realidad. Según el inconformista RGV, hoy reducido a ser un fantasma del pasado, la valentía de Satya, comenzando con el título, fue influenciada por el inquietante Ardh Satya de Govind Nihalani.
En otras palabras, lo que Satya hizo con el 'realismo' lo que Dil Chahta Hai de Farhan Akhtar hizo con el urbanismo, un debut revolucionario que sentó las bases para todas las comedias urbanas posteriores. DCH nos cautivó con una nueva descripción del realismo urbano. Los groseros gánsteres de Satya hablan mucho como lo hacen los gángsteres groseros, a menos que conozcas personalmente a un mafioso hábil que, como comentó una vez el letrista Gulzar, invocaría a Ghalib en lugar de 'Goli maar bheje mein'. Por otro lado, los bonitos urbanos puntuales de Dil Chahta Hai fueron probablemente la primera vez que escuchaste el discurso de los millennials en una pantalla hindi. Las bromas de la película continúan adornando los GIF y los memes.
Impulsado por cortes de pelo de moda (eso es lo que sucede cuando su esposa es dueña de un salón), viajes por carretera en Goa y salidas diarias para niños de élite, DCH, desde su lanzamiento en 2001, ha reunido un gran número de seguidores. Si, a veces, el conjunto llega a la mayoría de edad (protagonizado por Aamir Khan, Dimple Kapadia, Akshaye Khanna, Preity Zinta y Saif Ali Khan), con sus altos valores de producción, juega como una película publicitaria cara, échale la culpa al director Farhan Akhtar. (extrayendo experiencia personal de privilegio y rechazo para verter en el guión) que se había cortado los dientes en la publicidad antes de sus días en el cine.
Hoy en día, es posible que hayamos perdido a Farhan Akhtar The Director por, desafortunadamente, Farhan Akhtar The Actor, su debut se produjo en un momento en que Bollywood necesitaba urgentemente nuevas voces audaces. Esto fue mucho antes de que Anurag Kashyap, Vishal Bhardwaj y otros precursores de la esperanza irrumpieran en escena para darnos su propia interpretación del 'amor' como para desafiar la fórmula de Bollywood. Mientras que las fábricas de brillo de Karan Johar tenían que ver con amar a tu familia, Kashyap, Bhardwaj y similares cambiaron esa idea en un desafío abierto, adoptando familias disfuncionales y relaciones que probablemente eran más reales que las emociones del diseñador de Johar.
El cine hindi marcó el milenio con Amitabh Bachchan, el más grande de todos, luchando por encontrar su mojo perdido a través de Mohabbatein, el nacimiento de Hrithik Roshan (también, lamentablemente, de Amisha Patel en Kaho Naa .. Pyaar Hai) y un Akshay clásico. El campamento de Kumar-Suniel Shetty llamado Dhadkan en el que Anna, residente de Bollywood, criticaba como una amante abandonada. Los golpes del 2000 se cortaron en su mayoría con la misma tela que los de la década de 1990, el cordón umbilical finalmente se abrió por el santo grial que era Dil Chahta Hai.
La década del 2000 puede haber tenido comienzos tentativos, pero al final, resultó ser una época invaluable, que nos dio docenas de películas influyentes para apreciar y pensar, un legado que continúa incluso hoy. El desarrollo más extraordinario del cine hindi del siglo XXI es el surgimiento inesperado de talentos tan diversos como Irrfan Khan, Nawazuddin Siddiqui, Rajkummar Rao, Manoj Bajpayee, Anurag Kashyap, Vishal Bhardwaj, Radhika Apte, Ayushmann Khurrana, Sriram Raghavan, Alia Bhatt y Vicky. Kaushal, por nombrar algunos. En un ecosistema de libertad recién descubierta y un nuevo orden jerárquico, las películas hindi se convirtieron en un reflejo de la sociedad en la que vivíamos y en expresiones ferozmente personales de quienes hacen esta marca de cine intransigente, lo que ayudó a explicar un resurgimiento creativo en Bollywood nunca antes visto. Ya sea que se tratara de encontrar finalmente el pulso del público, de un grupo de cineastas poco convencionales que imponían su gusto refinado y enciclopédico al público o simplemente, de que los espectadores se volvieron inteligentes, es difícil saberlo. Se restauró la fe en el buen cine. A medida que los límites entre el arte y lo comercial cayeron como el Muro de Berlín, surgieron historias interesantes de entre los escombros, rompiendo todas las reglas y normas.
Khosla Ka Ghosla de Dibakar Banerjee (2003), Munnabhai MBBS de Raju Hirani (2003), Swades de Ashutosh Gowariker (2004) y Dev.D de Anurag Kashyap (2009) fueron algunas de las piedras angulares de la última década. Los tipos de películas a menudo desconfían de la publicidad, pero es fácil olvidar cuánto la publicidad ha enriquecido este medio. Satyajit Ray y Shyam Benegal deberían ser suficientes para quitar el nombre por ahora. Al igual que ellos, la experiencia publicitaria de Dibakar Banerjee lo ayudó a incursionar en el cine. Khosla Ka Ghosla, una comedia amable que inmediatamente se ganó las comparaciones de los debutantes con las obras de Hrishikesh Mukherjee, es una parte de la vida que ha encontrado constantemente a su público dedicado a lo largo de los años. Pero a diferencia del amado Mukherjee, la carrera del compañero bengalí ha forjado un futuro tentadoramente diferente desde entonces.
Llega el 2005, y tienes a la vieja guardia Sudhir Mishra dando lo mejor de sí. Borracho por igual con Marx y Ghalib, Hazaaron Khwaishein Aisi combina las pasiones gemelas del director: la poesía y la política. El hecho de que vivíamos en una época trascendental se puede juzgar por el hecho de que fue posible para Dibakar Banerjee y Anurag Kashyap hacer películas junto a sus predecesores como Mishra y Mira Nair. Por cierto, Nair trajo la década con Monsoon Wedding, un clásico crossover de 2001 que, según el crítico Philip French, fue su mejor película desde su memorable debut en 1988, ¡Salaam Bombay!
Nuestros diez títulos reflejan nuestro intento de reducir gradualmente lo mejor de la era posterior a 2000, incluidos los recientes como Piku, Mukti Bhawan y Dangal. Muy activo y, sin embargo, más lento que sus compañeros, Padmaavat y Bajirao Mastani de Sanjay Leela Bhansali figuran en nuestra lista. Estas dos magnum opuses son el mejor representante de la gran sensibilidad, el estilo visual de SLB, su fino oído para la música y su propia capacidad para evocar visiones de la belleza. Una epopeya histórica a la vez.
Junto a las epopeyas hay pequeñas películas subestimadas que algunos de ustedes pueden haberse perdido en el lanzamiento inicial. Te dejamos descubrirlos, junto con los familiares. No dude en estar en desacuerdo.
Padmaavat (2018)
'Allah ki banayi har nayab cheez par sirf Alauddin ka haq hai' - Alauddin Khilji
Deepika Padukone y Shahid Kapoor en Padmaavat. (Foto: Bhansali Productions)
Las mejores películas de Sanjay Leela Bhansali son a menudo, en el fondo, triángulos amorosos condenados: Hum Dil De Chuke Sanam, Devdas, Saawariya y Bajirao Mastani. Padmaavat, que destaca entre Deepika Padukone, Shahid Kapoor y Ranveer Singh, no es diferente. Como siempre, Bhansali se propone hacer una obra maestra y esta vez casi la logra. Puedes ver el toque SLB en casi todos los cuadros, cuidadosamente elaborado como un mural barroco que cuenta la saga de la reina guerrera Padmavati (Deepika Padukone) y el rey Ratan Singh (Shahid Kapoor), cuyo único propósito es recordar a los espectadores los muchos rasgos ( guroor, usool, etc.) que definen el orgullo de Rajput. Entra Alauddin Khilji, interpretado por Ranveer Singh, la musa favorita de Bhansali. Khilji es un intruso, en su matrimonio y en la India, con malos designios para ambos. Desde el momento en que Bhansali le presenta mujeriego el día de su matrimonio, sabes que Khilji es impredeciblemente desagradable pero extrañamente emocionante. El chico de oro de Bhansali interpreta al poderoso retador del Sultanato de Delhi con una mezcla de campana extravagante y tramposo. A su vez, objeto de parodia y lástima, despierta suficientes fuerzas oscuras para convertir a Padmaavat en su as. Doblando como director y compositor musical, Bhansali usa drama, diseño de escenarios, música, ambiente y líneas impactantes dignas de K Asif para crear un monumento inconfundiblemente SLB que es tan enigmático cinematográfico como históricamente defectuoso.
Mukti Bhawan (2017)
'Koshish karne se kaun marta hai' - Sra. Verma
Un fotograma de Mukti Bhawan. (Foto: Imágenes en movimiento de la alfombra roja)
Dado que el relativamente bajo presupuesto de Shubhashish Bhutiani, Mukti Bhawan, sin estrella, es una meditación sobre la 'muerte', es posible que te sorprenda descubrir que está tan lleno de vida, todo ello muy bien observado y con un tremendo sentido del humor. Bhutiani enfrenta a la India moderna, de teléfonos que suenan constantemente que perturban las tranquilas comidas familiares, charlas de Skype en cibercafés deteriorados, chicas en patineta, con la India tradicional y sus valores y rituales inamovibles. La película comienza con el anciano Dayanand Kumar (Lalit Behl) declarando que su tiempo se acabó. Su hijo obediente, el mundano Rajiv (Adil Hussain) es un cabeza de familia en el sentido hindú de la palabra. ¿Cómo dejarlo todo para acompañar a su padre en su último viaje hacia la salvación? De mala gana, más por un sentido del deber que por el amor, el hijo accede a un viaje a Banaras, la ciudad sagrada hindú donde Daya ha decidido morir. El título Mukti Bhawan se refiere a una posada concurrida donde las almas viejas vagan para morir, pero como advierte el posadero mordazmente al principio, tienes un máximo de 15 días para morir. ¿Después? pregunta un perplejo Rajiv. '¡Vete a casa!' Bhutiani tiene la habilidad de localizar el humor negro en las situaciones más mundanas. Entonces tienes al posadero cepillando a un niño entrometido en medio de ofrecer perlas de sabiduría sobre la 'salvación' o cuando Rajiv responde con ironía (esta podría ser la línea más divertida de la película) Millonarios comen frutas, no sabios a las demandas de su padre. comprar frutas para el almuerzo después de que el anciano se sienta repentinamente inspirado a seguir la dieta de un sabio. La relación de Rajiv con su padre Daya forma el núcleo emocional de Mukti Bhawan y como el dúo se une (una escena ambientada en el Ganges en la que Daya comparte su deseo de renacer como canguro es emblemática del tipo de humor en el que se deleita esta película) a pesar de las dudas iniciales de Rajiv. , el mensaje de la película se vuelve claro: aprende a dejar ir.
Dangal (2016)
'Mhari choriyan choron se kam hain ke?' - Mahavir Singh Phogat
A poster of Aamir Khan starrer Dangal. (Photo: Aamir Khan Productions)
Pocas estrellas conocen la importancia del 'melodrama' y su curiosa relación con el 'entretenimiento' en el contexto indio como Aamir Khan. Es esta capacidad de superar con éxito el arte alto y bajo lo que lo ha convertido en un monstruo de taquilla. En Dangal, un drama deportivo inspirado en la vida del entrenador de luchadores Mahavir Singh Phogat y sus hijas, medallistas de oro, Geeta Phogat y Babita Kumari, el director Nitesh Tiwari sabe con tanta certeza como Khan y el resto del talentoso reparto que se trata de un Vehículo de Aamir Khan hasta el final. En Rang De Basanti, Khan dejó que otros chicos se alzaran y salvaran el día. Esta vez, va a impulsar el clímax a pesar de que la audiencia apoya incondicionalmente a las chicas. La principal preocupación de la película es cómo Mahavir (Khan), un pequeño ha sido que anda pesadamente por el akadhas (anillo) haciendo la vida un infierno para sus hijas (la canción Bapu, sehat ke liye tu toh hanikarak hai es la ferviente súplica de las niñas contra el régimen de papá), convertirá a los novatos Geeta (Zaira Wasim, Fatima Sana Shaikh) y Babita (Suhani Bhatnagar, Sanya Malhotra) en una máquina ganadora de oro. La película comienza con Mahavir deseando tener un heredero varón, pero cuando sus hijas regresan a casa después de maltratar a un muchacho local, se da cuenta rápidamente de su talento pugilista oculto. Como la mayoría de los Khan que complacen a la multitud, Dangal es un golpe emocional que está muy contento de incluir un puñado de problemas sociales (patriarcado, empoderamiento de las mujeres, apatía institucional, lo que sea).
Piku (2015)
'Kamaal hai, aap har baat ko pet ke saath kaise jodd dete hain?' - Rana, propietaria de la agencia de transporte
Deepika Padukone y Amitabh Bachchan en Piku. (Foto: MSM Motion Pictures)
La última vez que Amitabh Bachchan interpretó a Bhaskar Banerjee fue en Anand, una icónica tragicomedia de 1971 que marcó el comienzo de sus entradas extraordinariamente largas. Más de cuatro décadas después, Bhaskar regresa como un padre hipocondríaco a la milenaria Deepika Padukone en este segmento de la vida. El director Shoojit Sircar y el escritor Juhi Chaturvedi son fanáticos de las comedias cálidas y cotidianas de Hrishikesh Mukherjee. En Piku, Bachchan sirve como un enlace desde el pasado distante, un recordatorio oportuno de que Hrishikesh Mukherjee se fue hace mucho, pero su influencia está muy viva y coleando en los nuevos cineastas. (Khosla Ka Ghosla podría funcionar como un buen billete doble con Piku). Tenga en cuenta la suave ironía: en Anand, Bhaskar era médico, mientras que Bhaskar de Piku (o Bhashkor, como la película prefiere llamarlo) es el tipo de paciente sombrerero loco y completo que pondría al médico serio y tímido de Anand, Bhaskar, contra la pared. Está excesivamente obsesionado con la digestión, como la mayoría de los bengalíes, aparentemente. Sircar contrasta al molesto y exagerado Bhaskar con la reserva tranquila y decidida de su hija, Piku (Padukone). Esta película trata sobre su vínculo poco probable. En una escena divertida, Bhaskar intenta disuadir a un joven que podría estar interesado en ella diciendo: Ella no es virgen. No quiere que ella se case y deje que él se las arregle solo. Piku trata sobre la familia y la crianza de los hijos (con muchas charlas sobre el baño que se hacen pasar por una marca de humor bengalí típica), pero también sobre el cuidado, un tema que Sircar y Chaturvedi volverían a tratar algunos años después en el octubre anónimo (2018). Sorpresa: la química inusual de Irrfan Khan y Padukone, mientras la película se lanza a un viaje por carretera lleno de diversión.
Bajirao Mastani (2015)
'Aap humse hamari zindagi mang lete hum aapko khushi khushi de dete, par aap ne toh humse hamara guroor hi cheen liya' - Kashibai
Ranveer Singh en Bajirao Mastani de Sanjay Leela Bhansali. (Foto de archivo exprés).
El héroe de Bajirao Mastani de Sanjay Leela Bhansali tiene que demostrar que es digno del trono de Peshwa. Apuntando a su objetivo, su afilada flecha da en el blanco. El objeto no es la cabeza del enemigo, sino una inofensiva pluma de pavo real. Escondidos debajo hay montones de simbolismo. En el relato de Peshwa Bajirao (Ranveer Singh), el pavo real es un símbolo del imperio mogol, la tierra debajo es suelo indio, mientras que la flecha fatal pertenece a los valientes Marathas. La pluma de pavo real tiene una resonancia simbólica para los eventos que seguirán, ya que el guerrero Maratha muy casado se enamora del musulmán Mastani (Deepika Padukone). Este es un invento clásico de Bhansali: prepara el escenario para un final deslumbrante. Cada comentario y argumento en Bajirao Mastani viene marcado con una catarsis de doble filo. Como Mastani le recuerda a la esposa de Bajirao, Kashibai (una brillante Priyanka Chopra), tomó mi mano pero nunca dejó la tuya y forjó un vínculo conmigo mientras se aseguraba de que la tuya no se rompiera. Para Kashibai, esta fue una maldición que se estaba gestando durante mucho tiempo. Hay una escena estelar al principio cuando su amiga viuda cargando las cenizas de su marido le advierte que, como ella, algún día sufriría por amor. Ahí estás, el anhelo, el tormento y la pérdida de SLB por excelencia; todos los personajes lo atraviesan, porque el 'triángulo' no es más que un círculo de agonía y éxtasis.
Corte (2014)
'Han llegado tiempos difíciles / Estamos desarraigados de nuestro suelo / Esta era de ceguera / Nos ha arrancado los ojos' - Poesía de Narayan Kamble (Sambhaji Bhagat)
La corte está dirigida por Chaitanya Tamhane. (Foto: Zoo Entertainment Pvt Ltd)
El sistema de justicia de la India es famoso por su lentitud. El debut de Chaitanya Tamhane observa la búsqueda india de la justicia con fría indiferencia. La cámara sigue no solo lo que sucede dentro de la cancha, sino también afuera, en la vida y la mente de los guardianes de la justicia. El activista social y cantante de protesta Narayan Kamble es arrestado por el suicidio de un trabajador de alcantarillado, que se sintió inspirado a quitarse la vida después de escuchar una de las conmovedoras canciones populares de Kamble. Gran parte de esta película sobria y sobria tiene lugar en la sala del tribunal de Mumbai, ya que Kamble es convocado para la audiencia. Uno de los personajes más fascinantes es el abogado defensor Vinay Vora (Vivek Gomber) quien, aunque representa al Kamble de casta inferior, no puede estar más alejado socialmente de él. Privilegiado y un hombre de gusto refinado (amante del queso, el vino y el jazz), ¿cómo puede realmente considerarse un campeón de los pobres mientras vive él mismo una vida tan elitista? En comparación, la fiscal Nutan (Geetanjali Kulkarni) lleva una vida más simple, encarnando la ordinaria clase media que la coloca en la misma clase social que Kamble. La visión de Tamhane sobre la ley y los legisladores es satírica y empática por turnos, pero lo único que es crucial para su éxito es cuán observacional y objetiva se revela. Bien actuado (sobre todo un elenco novato) y estimulante, Court es un triunfo del naturalismo.
La lonchera (2013)
'Kabhi kabhi galat train bhi sahi jagah pohocha deti hai' - Shaikh
Irrfan Khan en un fotograma de The Lunchbox. (Foto de archivo exprés)
'Las almas solitarias se encuentran sobre latas de tiffin indios'. Así fue como saludó The Guardian al favorito del festival de Ritesh Batra, protagonizado por el cambiante Irrfan Khan junto a Nimrat Kaur y un prometedor Nawazuddin Siddiqui. El crítico indio Baradwaj Rangan fue más creativo. Come, vaga, ama, resumió. También conocido por su eficiencia, el famoso servicio de dabbawala de Mumbai entrega la humeante lonchera caliente al viudo Saajan Fernandes (Khan) en lugar de a su legítimo propietario, el esposo de la ama de casa Ila (Kaur). El raro lapso del dabbawala da como resultado una de las historias de amor más encantadoras que verás en el cine hindi, un retroceso a la estética más simple y al estilo de vida poco excepcional que podría hacer de Mumbaikars un poco nostálgico. En una entrevista de India Today, Batra dio una idea del error de entrega. Hay elementos realistas mágicos intercalados en la historia. La audiencia puede sacar sus propias conclusiones, pero no creo que (error de entrega) sea un error. Siento que es un milagro. Filmado con el ritmo lento de una novela (que permite dibujar personajes con matices), The Lunchbox es una muestra magistral de las habilidades de Irrfan Khan mientras intenta representar la vida interior de un asistente de oficina que puede haber olvidado el significado de la esperanza. , el amor y la vida misma. Ila despierta sus emociones latentes, y después de un largo intercambio de cartas clandestinas escondidas dentro de la lonchera, los extraños finalmente reúnen el valor para encontrarse. Una de las alegrías de The Lunchbox es la pareja poco probable de Irrfan Khan y Nawazuddin Siddiqui, pero al ver la película, es posible que no puedas adivinar el paso simbólico de la antorcha, ni un espectador inocente podría predecir el histórico ascenso de Nawaz al estrellato. . Esta es una película sobre la ordinaria poética, sin fanfarrias, el tedio y el vibrar de las vidas sin pretensiones y su anhelo, el Chhoti Si Baat, Baton Baton Meina y Wagle Ki Duniya de nuestros tiempos.
Barco de Teseo (2013)
'Hamare har kaam ka prabhav kaal akash par rehte har parmanu pe padhta hai' - monje Maitreya
Fotograma de la película Barco de Teseo. (Foto: Recyclewala Films)
Cuando la nave de Teseo del niño prodigio Anand Gandhi salió a la luz en 2013, Shekhar Kapur, Sudhir Mishra y Dibakar Banerjee se declararon instantáneamente como fanáticos. Contemplativo y culto, Barco de Teseo deriva su poder de los conceptos de filosofía, identidad, ética y religión. Para un cineasta tan joven (Gandhi solo tenía 33 años en el momento de su estreno), fue todo un bocado. Inspirado en la parábola de Plutarch que plantea la pregunta inusual: 'Si todas las partes del barco se reemplazan con el tiempo, ¿es realmente el mismo barco?', Ship of Theseus convierte el experimento mental en un tratado que utiliza la donación de órganos para subrayar la elección humana y la moralidad. Desarrollada en tres tramas paralelas, la primera presenta a una fotógrafa ciega (Aida El-Kashef) que está aceptando su discapacidad. A continuación, nos encontramos con el afable monje Jain (Neeraj Kabi como Maitreya) que está atrapado entre reconciliar la existencia y la supervivencia con su ética moral incondicional y su ideología que amenaza su propia vida. Luchando por aliviar el 'sufrimiento' de cualquier tipo, el sabio rechaza el tratamiento alegando que los medicamentos han sido probados en animales. ¿Qué pasa con la violencia que está cometiendo contra sí mismo al no tomar medicamentos ?, argumenta Charvaka, un joven abogado frustrado con la obstinada actitud de Maitreya. Desde el punto de vista de Maitreya, la respuesta a la dura pregunta del 'significado de la vida' radica en la iluminación y la liberación final del sufrimiento perpetuo de la vida y la muerte. El tercer episodio, y el más identificable, pertenece al corredor de bolsa Navin (Sohum Shah) quien, en busca de redención, se embarca en un viaje hasta Suecia para ayudar a un hombre pobre a recuperar su riñón. Los tres protagonistas, como el barco fatídico, han visto cambiar las partes de sus cuerpos. Pero quién sabe, una parte de su yo original yacía enterrada en algún lugar entre los escombros de sus nuevos cuerpos. Visualmente sublime, lleno de ideas inteligentes y argumentos cerebrales y un homenaje al cine como recipiente para el pensamiento y la filosofía, Barco de Teseo evoca un rompecabezas sobre la vida y la existencia y sus misterios y significados. Vea también: Tumbbad (2018) de Rahi Anil Barve del establo de Gandhi es una fiesta visual, un mito gótico que cobra vida.
Hazaaron Khwahishen Aisi (2005)
'Por eso no puedo entenderlos a ustedes, niños ricos, jugando a este juego de' cambiemos el mundo '. Mientras buscas una salida, yo busco una forma de entrar '- Vikram
Chitrangada Singh y Shiney Ahuja en Hazaaron Khwaishein Aisi. (Foto de archivo exprés)
Sudhir Mishra, de ojos soñadores y curtido por la batalla, defendía el 'indie' mucho antes de que el término ganara popularidad. Y, sin embargo, el cineasta de cabello plateado y carismáticamente divagante ha tenido que luchar por la relevancia casi cada década. Nadie está sugiriendo que todas sus películas sean geniales, admite que algunas son halki (ligeras), pero las por las que es más conocido han sobrevivido a la prueba del tiempo. Estos incluyen Dharavi (1991) y el culto Yeh Woh Manzil To Nahin (1987) e Is Raat Ki Subah Nahin (1996). De lejos, Hazaaron Khwahishen Aisi es la más lograda de todas, una película tan intensamente personal como política que logra dar la nota correcta entre la anarquía y el romance de Mirza Ghalib y el idealismo fuera de lugar y la violencia emocional del naxalismo. Hazaaron Khwahishen Aisi, ambientada en Nueva Delhi, narra las vidas de los amigos Siddharth (Kay Kay Menon), Vikram (Shiney Ahuja) y Geeta (Chitrangada Singh), densamente estratificada y bien representada.
El socialista Siddharth se rebela contra su entorno privilegiado para traer la revolución. Vikram es probablemente su opuesto: un hijo abandonado de un padre rico que quiere hacerse más rico. Eventualmente se convierte en un poderoso solucionador en los círculos de Delhi. Más equilibrado de los dos, Geeta es su distracción. En su primera salida, Chitrangada Singh tiene un parecido sorprendente con la gran Smita Patil, lo que hace que uno se pregunte si Hazaaron Khwahishen Aisi se hizo en la década de 1980, con Patil junto a Naseer-Om Puri en qué tipo de película se habría convertido. Ilusiones!
Mientras tanto, Mishra disfruta poniendo todas las charlas vacías de revolución, justicia social, igualdad y cambio en la boca de sus personajes. En escenas que podrían resonar más hoy en día, abre la película en un entorno similar a JNU, donde los hijos de Bob Dylan y Jimi Hendrix bailan y beben toda la noche mientras crían 'laal salaams' y sueñan con paz y prosperidad. como dice el cínico Vikram. El humor irónico de Mishra está bellamente incrustado en el guión. Por ejemplo, la escena en la que un terrateniente rico que sufre un ataque cardíaco accede a ser tratado por un médico de casta inferior, un heredero aparente que todavía cree en el socialismo pero no puede deshacerse de las trampas de la riqueza o cuando Vikram orina al aire libre, cantando, si hay dicha, es esta. La película está fuertemente impulsada por la nostalgia. Es a la vez un himno y una elegía al sueño y la decadencia de la década de 1970, una generación que adoré, también la generación que fracasó, dijo Mishra una vez a la revista Outlook, y agregó: Además, también hay belleza, juventud y pasión. Y cuando se desvanece, la idea del amor aún permanece. No es de extrañar que lo llamen un 'romántico incurable'.
100 películas de Bollywood para ver en la serie de su vida | 10 películas de Bollywood socialmente relevantes | 10 thrillers sobre crímenes en hindi esenciales | 10 adaptaciones de libro a película | 10 clásicos del cine paralelo | 10 películas de gángsters de Bollywood
Dil Chahta Hai (2001)
'Hum cake khaane ke liye kahin bhi jaa sakte hai' - Sameer
Akshay Khanna, Saif Ali Khan y Aamir Khan en Dil Chahta Hai. (Foto de archivo exprés)
La amistad, los viajes por carretera, la mayoría de edad y la familia disfuncional son el núcleo del cine de Farhan y Zoya Akhtar, y Dil Chahta Hai es su logro supremo. Más que eso, la película trata realmente sobre el 'amor' y cómo los protagonistas responden a él. Akash (Aamir Khan) es reacio al amor. ¿Qué son todas estas cosas amorosas? le pregunta a la burbujeante Shalini (Preity Zinta). Ella lo abandona, encogiéndose de hombros. No lo entenderás. Sameer (Saif Ali Khan), por otro lado, confunde el enamoramiento con el amor. Más maduro de los dos, el reservado Sid (Akshaye Khanna) es el único que comprende verdaderamente el significado del amor. Su amor por la mucho mayor Tara (Dimple Kapadia) es profundo, algo que su familia y amigos no comprenden completamente al principio. La plataforma de lanzamiento de Farhan Akhtar no contiene reflexiones filosóficas sobre la naturaleza de la amistad y el amor, pero genera los golpes emocionales adecuados. 19 años después, sigue siendo tan fresco y divertido como siempre.
